EL HALCÓN MALTÉS (II)

Intro.

¿De qué están hechos nuestros sueños? Tal vez de un elemento que no conocemos, tal vez en la forma de un ser que habita los cielos, tal vez de aún mayores sueños, de aquellos que brillan haciendo de la codicia del hombre su única respuesta. De cualquier forma, buscamos una especie de estatua, de algo parecido a un halcón, de algo que en realidad nunca hemos visto y solo tenemos una idea vaga de como luce… pero lo buscamos con incesante deseo. Ahora es posible que un ser moribundo lo traiga hasta nuestras manos y no encontremos palabra para describirlo.

Cuerpo.

John Huston buscó “no equivocarse” al hacer su primer filme. Para ello, empezó a tomar en cuenta cada detalle. El guion fue revisado escena por escena y se hicieron bosquejos de cada una de estas, de manera tal que Huston al momento de filmación mantuvo el guion casi impecable debido a la preparación. Eso también le ayudaría a mantener su cronograma intacto logrando filmar las escenas tal cual lo pactado evitando también así alguna alza en el presupuesto. Este esfuerzo en los preparativos determinaría una buena química entre Huston y los actores, que ante las preparaciones previas pudieron grabar sin mayores cambios logrando incluso hacer la película casi de manera secuencial. Huston también utilizaría el diálogo original de la novela cuidando las advertencias del código Hays para las referencias sexuales y una advertencia en contra del exceso del alcohol.

El trabajo en la cinematografía de Arthur Edeson es también factor importante en la realización de El Halcón Maltés. Como un clásico del film noir, la película muestra un uso bajo de iluminación y los ángulos que nos envuelven en peculiares sombras que van de la mano con la intencionalidad de los personajes y las escenas. De gran labor es en cierto aspecto la capacidad para otorgar momentos a los actores, sobre todo en el caso de los personajes de Astor y Greenstreet. Mucho se ha hablado sobre la escena de este último y Bogart en donde gracias a los movimientos de cámaras toda la escena se mueve entre habitaciones deteniéndose en la parte explicativa y una vez más buscando movimiento cuando la escena lo requería. Todo ello debía estar coreografiado de manera sublime para captar dicho proceso. Una vez más la mano de Huston con la detallada preparación cobraría frutos.

Uno de los objetos más preciados del mundo del cine respondería a la estatuilla de El Halcón Maltés. Creada por Fred Sexton, esta pequeña escultura de 29 centímetros habría sido creada a partir de un vaso ceremonial llamado El Halcón Kniphausen. Fueron varias estatuillas creadas para el filme, lo que llevaría en posteriores años a seguir el destino de estos valiosos objetos. En 1994 se convertiría en el accesorio más caro de una película con el valor de 398,500 dólares.

El Halcón Maltés se convertiría en un éxito inmediato y con el tiempo una de las películas más destacadas de todos los tiempos y un film noir por excelencia. La capacidad de dirección de Huston, quien se encumbraría como uno de los más grandes directores de su tiempo, y la habilidad del reparto para interpretar un guion altamente elaborado, nos muestra todo el detalle y convicción hacia un producto que bajo la osadía de un nuevo director es simplemente genial. Muchos de los factores de la película se repetirían como parte de los elementos del film noir como el antihéroe, la femme fatale, el final inesperado, entre otros detalles. El Halcón Maltés también se vería como uno de los filmes americanos por excelencia, apoyado en su momento por el gran sistema de estudio y por el nacimiento y resurgir de estrellas que empezarían a otorgarnos muchos momentos memorables del séptimo arte.

Datos.

Título Original: The Maltese Falcon

Dirección: John Huston

Año: 1941

País: Estados Unidos

Intérpretes: Humphrey Bogart, Mary Astor, Peter Lorre, Sydney Greenstreet, Jerome Cowan, Elisha Cook Jr., Barton MacLane, Ward Bond, Lee Patrick, Gladys George, James Burke, Murray Alper, John Hamilton, Walter Huston, Emory Parnell

Duración: 101 min.

EL HALCÓN MALTÉS (I)

Intro.

¿De qué están hechos nuestros sueños? Tal vez de un elemento que no conocemos, tal vez en la forma de un ser que habita los cielos, tal vez de aún mayores sueños, de aquellos que brillan haciendo de la codicia del hombre su única respuesta. De cualquier forma, buscamos una especie de estatua, de algo parecido a un halcón, de algo que en realidad nunca hemos visto y solo tenemos una idea vaga de como luce… pero lo buscamos con incesante deseo. Ahora es posible que un ser moribundo lo traiga hasta nuestras manos y no encontremos palabra para describirlo.

Cuerpo.

Dashiell Hammett fue un popular escritor de novelas detectivescas que en 1930 mostraría al mundo su obra más representativa: El Halcón Maltés, de donde surgiría uno de los personajes más entrañables del género, Sam Spade. La novela sería tan reconocida que al año siguiente Warner Bros. se haría de los derechos y crearía la primera versión con Ricardo Cortez y Bebe Daniels. La película tendría cierta popularidad pero encontraría en el Código Hays la negativa de volver a ser mostrada en pantalla en 1936 debido a sus referencias sexuales. Con estos problemas a cuestas, la primera versión de El Halcón Maltés quedaría archivada siendo recién vista en su integridad treinta años más tarde. Debido a su censura, en 1936 Warner Bros. decidió hacer una versión cómica titulada en ingles Satan Met a Lady con Bette Davis y Warren Williams. Esta versión sería destrozada por la crítica y totalmente olvidada, siendo la misma Davis que señalara que fue obligada por el estudio a actuar en ella.

En 1941 aparecería la tercera y más famosa versión del filme. Con Humphrey Bogart, Mary Astor, Peter Lorre, Sydney Greenstreet, Elisha Cook Jr., entre otros, esta versión dirigida por John Huston se convertiría no solamente en la versión definitiva sino también en uno de los film noir más emblemáticos, siendo la caracterización de Bogart como Spade una de las fuentes para futuros filmes del detective como el antihéroe. La película se convertiría en un éxito en su tiempo y en un hito como un filme ejemplar desde su dirección, su brillantez técnica y las sólidas performances de un grupo de actores coordinados y enfocados gracias a Huston. El Halcón Maltés sería nominada a tres Oscar y se convertiría en una película de culto con momentos y símbolos que perdurarían a lo largo de los tiempos para convertirse en una leyenda del cine.

Para 1941, John Huston se había convertido en un guionista renombrado. Jezebel, El Sargento York y High Sierra se encontraban entre sus mayores logros. Sería esta última hecha en 1941 lo cual le daría la oportunidad de probar su siguiente proyecto. Jack Warner, jefe del estudio le había prometido después del éxito de High Sierra que le daría la oportunidad de elegir su primera excursión en la dirección. John Huston escogió El Halcón Maltés, lo cual era particularmente raro ya que existían dos versiones previas, pero Warner no dudo en otorgarle dicho pedido. Huston se propuso dos cosas para el filme: la primera era tratar de ser lo más fiel a la novela, tomando en cuenta que no podía hacer referencias sexuales que en la novela eran explícitas, y la segunda, era ser metódico en su estilo de dirección, tratando de ser un realizador preparado, facilitando la labor tanto al cuerpo técnico como al reparto. En esto, Huston cumpliría una labor más que eficaz.

El reparto sería un tema interesante. Para Sam Spade la primera elección fue George Raft. Un gran actor a finales de los treinta y asociados a los roles de gangsters, Raft dejó pasar roles increíbles. Dejó de lado el rol de High Sierra porque no quería ser visto como un villano, permitiéndole a Humphrey Bogart renovar su carrera. Dejó pasar también el rol en El Halcón Maltés porque estaba en desacuerdo de ser dirigido por un novato. Una vez más Bogart tomaría el rol para convertirse una estrella y cimentar su asociación con Huston, con el cual trabajaría en filmes como El Tesoro de la Sierra Madre, Key Largo y La Reina de África. Geraldine Fitzgerald fue la primera opción para la contraparte femenina, pero al decidir actuar en una obra teatral fue dejada de lado y el rol recaería en Mary Astor. La elección de Sydney Greenstreet sería de lo más llamativa. El actor inglés era un hombre bastante obeso con una gran trayectoria teatral y que nunca había trabajado en cine. A sus 62 años debutaría en la pantalla grande con gran nerviosismo pero lograría ser un factor vital en la película y sería encasillado en el rol del villano en varias producciones de mucho éxito, como en el caso de Casablanca.

Otro de los actores destacados es Peter Lorre. Instalado en Hollywood a mediados de los treinta pero sin suerte, sería Huston que le daría la oportunidad de aparecer en este filme, que sería también su primero con Warner Bros., una asociación que le sería muy favorable, en donde también aparecería en Casablanca y en otros títulos junto a Bogart y Greenstreet. Elisha Cook Jr. haría el papel de Wilmer. Un reconocido actor de carácter, Cook Jr. tendría uno de sus roles más representativos, siendo siempre un efectivo actor secundario en muchos film noir. Otros roles secundarios incluyen a Gladys George, Barton MacLane, Ward Bond, Jerome Cowan, entre otros. A destacar la aparición del gran Walter Huston, padre del director y actor de reconocida carrera. Su breve aparición en el filme fue una especie de buen augurio para el debut de su hijo en la dirección. Huston padre no cobraría ningún salario por su intervención y tampoco aparecería en los créditos. Como broma, su hijo le haría diferentes tomas de su breve escena.

Datos.

Título Original: The Maltese Falcon

Dirección: John Huston

Año: 1941

País: Estados Unidos

Intérpretes: Humphrey Bogart, Mary Astor, Peter Lorre, Sydney Greenstreet, Jerome Cowan, Elisha Cook Jr., Barton MacLane, Ward Bond, Lee Patrick, Gladys George, James Burke, Murray Alper, John Hamilton, Walter Huston, Emory Parnell

Duración: 101 min.

EURIDICE B. A. 2037

Intro.

Existen prisiones en todos lados. Existen prisiones en todas nuestras mentes. No podemos escapar. No queremos escapar. Estamos esperando un haz de luz. No lo estamos esperando. En cualquier caso las llaves que abren cada una de esas puertas están construidas bajo la imagen de nuestra mente y con solamente observar cuidadosamente podemos entender que significa estar en el infierno. Entendemos que significa no estarlo.

Cuerpo.

Uno de los directores más respetados de Grecia en los años setenta responde al nombre de Nikos Nikolaidis. El polifacético director es considerado uno de los representantes europeos de su época en cuanto al cine como arte y al surrealismo. Su primer largometraje, Euridice B. A. 2037, trajo controversia pero también fama internacional, lo cual le ayudaría para sus próximos proyectos. Su desarrollo como director nos ofrece pocas entregas pero su cuerpo de trabajo integral nos muestra su valor como productor, guionista, director de teatro y televisión, entre otras labores. Reconocido con varios laureles, Nikolaidis expandiría su carrera durante cuatro décadas.

Euridice B. A. 2037 es una libre adaptación del mito de Euridice y Orfeo, que en manos de Nikolaidis se vuelve un viaje surrealista y experimental que desentraña la visión caótica y enferma de lo que incluso se puede considerar un mundo futurista. Producida por Nikolaidis y los actores alemanes Vadim Glowna y Vera Tschechowa (quien es la actriz principal de este filme), Euridice B. A. 2037 presenta la cinematografía de Giorgos Panousopoulos en un impecable esfuerzo hacia la paranoia y la claustrofobia. La película tendría duras respuestas en un principio debido a tónicas altas para la audiencia, pero paulatinamente dejaría entrever el acto artístico propuesto por su director hasta llegar a ser apreciada en su país e internacionalmente.

La película nos muestra los personajes del drama épico pero nada es totalmente gratuito. Fuera de la adaptación de dicha historia, nos encontramos ante elementos ordinarios que confluyen en la soledad de una mujer y su confinamiento a un espacio cerrado. La relación de este personaje con su ambiente y sus peculiares características proponen la creación de un espacio original, de la búsqueda de una nueva forma de entender el cine. Un punto aparte es la bellísima Vera Tschechowa, actriz alemana de variada filmografía, quien destaca en algunas producciones italianas y francesas, pero que tiene en esta película su rol más destacado.

La película rompe con cualquier tipo de preconcepción y ello se debe a que su director simplemente coge la idea del mito y lo transforma totalmente. Los elementos y los personajes se encuentran pero estamos ante un terreno totalmente desconocido, nos encontramos ante la enajenación humana por ambas partes. Euridice B. A. 2037 nos presenta más un estudio sobre el carácter humano y sus deficiencias, y como nos aferramos a ciertos supuestos que terminan condenándonos. Euridice es la muestra de como no podemos entender nuestro medio, esa especie de modernismo que evoluciona aún así nosotros no seamos parte de ello. Existe la desconexión entre la mujer atrapada con su medio pero está sincronizado con la muestra patética de lo que es la mujer en un infierno, uno muy particular que no deja de aterrar y de enfatizar su condición humana. Nikolaidis nos presenta su obra de arte más sincera y demostrativa, pero a pesar de ello su manejo del cine cambiaría ya en su segundo largometraje, donde trataría más el tema de la alienación desde otras ópticas.

Datos.

Título Original: Evrydiki B. A. 2037

Dirección: Nikos Nikolaidis

Año: 1975

País: Grecia/Alemania

Intérpretes: Vera Tschechowa, John Moore, Niki Triantafillidi, Manolis Logiadis
Duración: 100 min.

EROS + MASACRE

Intro.

Gotas de lluvia sobre la vida y la muerte de una persona. Gotas de lluvia que simplemente quiebran las palabras. Después de ello parece que no existe nada más. ¿Conoces la vida de un hombre? ¿Existen triunfos y fracasos? No podemos llegar a ninguna conclusión cuando en realidad solo nos encontramos ante retazos de lo que una vez fue alguien y no lo conocemos de ninguna manera.

Cuerpo.

Kurosawa, Mizoguchi, Ozu y sus pares provocaron una ruptura en el cine japonés, colocando a su país en la mira internacional y estableciendo así un cine de calidad llamativo para Estados Unidos y Europa. Pero con los cambios de época y debido a las resoluciones de la guerra, Japón y sus representantes artísticos paulatinamente cambiarían esa visión de un país sumiso y tradicionalista, revelándose en contra de lo establecido y volviéndose radicales. La nueva ola del cine japonés empezaría a abrirse paso a finales de los cincuenta teniendo en la siguiente década su mayor resplandor y expandiéndose hasta finales de los años setenta. Los directores inscritos en este movimiento estarían asociados con los estudios pero posteriormente romperían con este sistema, creando sus mejores entregas como directores independientes en búsqueda de una nueva perspectiva para su cine. La controversia no se haría esperar.

Dentro de este gran rótulo de la nueva ola surgió también otro grupo más pequeño y específico al cual se le conocería como la nouvelle vague de Shochiku, en donde un joven Yoshishige Yoshida comenzaría su carrera bajo el estudio Shochiku, junto a Nagisa Oshima y Masahiro Shinoda. Al igual que la nueva ola, este grupo resentiría el control de los estudios y Yoshida lo abandonaría en 1964. Después de algunos años luchando por sus proyectos, Yoshida crearía en 1969 lo que se considera su película más representativa, Eros + Masacre. El filme se centra en la vida del anarquista Sakae Osugi, así como los temas del amor libre, el anarquismo y una estructurada visión que combina pasado, presente y futuro. La película sería parte de una trilogía sobre radicalismo japonés que se completan con Purgatorio Heroico (1970) y Golpe de Estado (1973).

Sakae Oguki era un anarquista pionero en Japón. Sería uno de los traductores del anarquismo de oeste para su distribución en Japón y también publicaría muchos panfletos y artículos sobre el tema. Así mismo, crearía el primer colegio esperanto en 1906. Envuelto en cuestiones sociales y políticas de su país, Oguki se tornaría en un enemigo público, llegando a ser arrestado en varias oportunidades. En 1923 y debido al gran terremoto que arrasó Kanto, el caos se apoderaría de la población y el gobierno declaró ley marcial llevando ello a un sinnúmero de asesinatos cruentos sobre aquellos que consideraban “probables” alborotadores y quebrantadores de la paz. Oguki junto a su novia Ito Noe y a su sobrino de seis años fueron arrestados y salvajemente golpeados hasta la muerte por la policía. Sus cuerpos serían arrojados a una fosa. Esto se conocería como el incidente Amakasu, despertando las críticas de la sociedad japonesa por la muerte de un niño y de conocidos anarquistas.

Eros + Masacre desarrolla mucha de las temáticas de Oguki así como periodos de su vida. La maestría de Yoshida proviene de combinar hechos históricos con cierto grado de manipulación en donde la fantasía, así como la interrelación de varios tiempos, nos dibuja un caleidoscopio de imágenes y momentos de fina estética. Las temáticas se dividen en el amor libre representado por la relación de Oguki con su esposa y sus amantes, sus ideas sobre anarquismo y socialismo, así como una visión de las diferentes sociedades en las cuales el personaje principal interactúa. Así también encontramos un quebramiento de la lógica temporal en donde existen interrelaciones entre personajes de un tiempo y otro. Yoshida rinde un homenaje fiel al autor, provocando una película de construcción original y de una capacidad de absorción tal que se convertiría en la película más representativa de la nueva ola japonesa.

Datos.

Título Original: Erosu Purasu Gyakusatsu

Dirección: Yoshishige Yoshida

Año: 1969

País: Japón

Intérpretes: Mariko Okada, Toshiyuki Hosokawa, Yuko Kusunoki, Toshiko Li, Daijiro Harada

Duración: 202 min.