TRENES RIGUROSAMENTE VIGILADOS
 

Intro.

Un tren se avecina sobre la vida de un joven. Como parte de una tradición familiar, este joven entiende la llegada del tren. No rehuye a ello, todo lo contrario, lo espera con ansías. Estas nuevas fronteras no se parecen a las antes recorridas por sus antepasados. Tiene aún el aroma y el panorama pero la violencia de estos nuevos tiempos ha cambiado todo el romanticismo que vinimos a buscar. La esencia de un lugar ha quedado en el vapor de los trenes, la elegancia de un uniforme y algunos momentos de silencio. Ahora un joven es un ser experimentando todas las desilusiones acaparadas durante toda su vida. En este lugar. Ahora. No se comprende la falta de voz.

Cuerpo.

En muchos casos el Oscar a Mejor Película Extranjera es un medio por el cual un filme llega a tener renombre internacional promoviendo tanto a la película, al director como al país donde ha sido creada para tener mayor exportación y reconocimiento. Esto especialmente sucede a partir de los años cincuenta donde la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas tuvo en una primera instancia un Oscar al Reconocimiento a películas filmadas fuera de Estados Unidos (1947-1955, excluyendo 1953 donde no se entrego) y en 1956 instauraron el Oscar a Mejor Película Extranjera con cinco nominaciones. Así, en un principio muchas películas de países europeos sin una vasta tradición cinematográfica pudieron ser reconocidas internacionalmente. En 1967, Trenes Rigurosamente Vigilados representando a Checoslovaquia ganaría la estatuilla y se encumbraría como una de las mejores películas salidas de este país.

 

 

 

Trenes Rigurosamente Vigilados ganaría no solamente el Oscar, también tendría reconocimiento en el Festival de Mannheim-Heidelberg y varias nominaciones a los premios BAFTA, DGA, el Globo de Oro y el Festival de Budapest. Jirí Menzel se convertiría en un director de renombre rápidamente y aunque la película le abriría las puertas no volvería a tener un éxito tan aclamado como Trenes Rigurosamente Vigilados. A ello se debía las continuas intervenciones del gobierno por controlar o censurar su labor. Inclusive, el gobierno le obligó a devolver el Oscar ganado por lo que consideraban una imagen sumisa del pueblo checoslovaco. Menzel se negaría y mantendría una línea convulsionada por las restricciones de su país, teniendo que mantenerse hasta nuestros días en el margen que el gobierno le otorgaba, haciendo que sus películas demoraron algunos años en ser estrenadas en otros países.

 

 

 

 

Trenes Rigurosamente Vigilados es una película centrada en el joven Milos Hrma y sus perspectivas cuando deba encarar una nueva faceta como ayudante en la estación del tren. Un trabajo designado gracias a su padre, Milos tendrá que lidiar con nuevas experiencias como el trabajo, la subordinación, el sexo y la guerra. La sensibilidad como Menzel trata la película se debe también a la colaboración con Bohumil Hrabal, escritor checo de fama internacional. La asociación de Menzel con Hrabal es una de esas colaboraciones de admirables resultados. La visión con respecto a la guerra era un motivo muy recurrente en estos tiempos, puesto que brindaba una nueva perspectiva hacia las zonas afectadas. En el caso particular de Checoslovaquia, tanto Trenes Rigurosamente Vigilados así como La Tienda de la Calle Principal (Ján Kadár/Elmar Klos, 1965) representaron exitosamente esta tendencia y ambas ganarían el Oscar a Mejor Película Extranjera. Esta renovación se conoce a principios de los años sesenta como la Nueva Ola del Cine Checoslovaco y que tiene entre sus figuras a los antes mencionados al igual que directores como Milos Forman, Jaromil Jires, Vera Chytilova, Juraj Jakubisko, entre otros.

 

 

Datos.

Título Original: Ostre Sledované Vlaky
Dirección: Jirí Menzel
Año: 1966
País: Checoslovaquia
Intérpretes: Václav Neckár, Jitka Bendová, Josef Somr, Vlastimil Brodský, Vladimír Valenta
Duración: 92 min.

EL GRAN SILENCIO

Intro.

Cuando un arma se dispara y la bala atraviesa a un jinete no hay sonido. No se escucha el mecanismo de la pistola, no se escucha la bala atravesando el cuerpo del individuo, no se escucha el cuerpo cayendo. El hombre guarda su arma, y su alma, mientras recuerda las voces del pasado y las futuras creaciones dentro de su mente. No puede detenerse y no puede mantenerse quieto. Toda nueva matanza parece un acto antiguo y monótono. No hay sangre en la nieve, no hay aliento en el cuerpo. Solamente los mismos actos sin sonidos. El gran silencio se extiende por todo el horizonte y todo, inclusive el rostro de un hombre con un arma, se dibuja en sangre.

Cuerpo.

El Spaghetti Western es un subgénero creado en Italia y que gozó de una gran popularidad. Uno de sus más grandes representantes de este tipo de western es Sergio Leone, quien alimentaría el imaginario popular con su mítica trilogía de El Hombre sin Nombre, donde alcanzaría popularidad Clint Eastwood, y con su increíble homenaje del western en Érase una Vez en el Oeste. Leone es considerado padre de esta corriente y Corbucci es el segundo en la escena. La dificultad de Corbucci para con sus contemporáneos era el uso desmedido de violencia, que en esos tiempos era visto como parte de las continuas exageraciones dentro de la filmografía de Corbucci. Así mismo, la crítica no tomaba con mucha seriedad estas producciones por lo antes señalado y por la fama internacional de Leone, cuyo prototipo de Spaghetti Western se convirtió en la definición misma del género. Aún así, Corbucci conseguiría un gran éxito con Django y después con otra película de culto como El Gran Silencio, convirtiéndose en el director más importante dentro de su país.

Django en 1966 le daría fama a Corbucci por su manera cruda y realista, al igual que exagerada, de mostrar al western. Sin duda, innovador y experimental, Corbucci tuvo que lidiar con la censura, haciendo que sus películas no sean aceptadas en varios países y que algunas ideas suyas no sean consideradas artísticas por el excesivo uso de violencia, que se veía como un medio simplista para obtener una reacción de la audiencia. A pesar de ello, tanto Django como El Gran Silencio han obtenido el reconocimiento de películas de culto, teniendo con los años una mejor recepción y una nueva apreciación como un western de acción así como de crítica social.

El Gran Silencio cuenta con toques de distinción por parte de su director y con un reparto interesante. Jean-Louis Trintignant es un actor reconocido por cierto tipo de dramas bajo la dirección de grandes directores y su asociación con un western es de lo más atípico. A pedido del actor, el personaje debía tener pocas líneas. Corbucci en un acto de sátira lo hizo mudo, también como parte de la ideología del héroe en el western como el tipo que dice poco y todo lo dice con su pistola. El villano es Klaus Kinski, aún lejos de su asociación con Win Wenders, el actor alemán actúa en diferentes géneros, colocando algunos westerns de buena factura a su filmografía. Tanto el héroe como el villano son títulos ambiguos. El héroe vengativo, silencioso y misterioso parece estar motivado por oscuros objetivos, a pesar de mostrar cierta nobleza en sus actos. Por su parte, el villano es el ser “que siempre actúa bajo la ley”, siendo este otro punto de ironía por parte de Corbucci. La crítica social así como el final de la película son las claves para hacer de este un western de culto. Sin mayores márgenes contra lo establecido, el director italiano somete cambios fundamentales en cuanto a los parámetros del western. Una escenografía inusual como es el de la nieve (inspirado por el Día de los Forajidos de André de Toth), un antihéroe, un villano que no actúa en contra de la ley, un sheriff inexperto y torpe, y una inusual cacería donde el héroe parece seguir al villano mientras que este persigue a los “criminales”. Con ello, una cuota de violencia algo elevada y como si fuera poco, la composición del maestro Ennio Morricone. Corbucci tendría que filmar un final alterno para lidiar con la censura, “un final feliz” que rompe con la estructura del filme pero que no se mantendría debido a la rigurosa ideología de El Gran Silencio.

 

Datos.

Título Original: Il Grande Silenzio
Dirección: Sergio Corbucci
Año: 1968
País: Italia
Intérpretes: Jean-Louis Trintignant, Klaus Kinski, Luigi Pistilli, Frank Wolff, Vonetta McGee, Mario Brega, Carlo D’Angelo, Marisa Merlini
Duración: 105 min.

EL JOROBADO DE NOTRE DAME

Intro.

La vida te ha convertido en un ser indescriptible. Para todos los espejos y todas las críticas te has convertido en el monstruo que todo el mundo desea evitar. Y tú eres todo el mundo evitando a todo el mundo. Tu fortaleza es parte de tu propia desgracia envuelta por la naturaleza: eres un simple servidor que cada persona puede aplaudir pero que nadie espera conocer, menos aún ser. Aún así en tu extraordinario rostro se oculta la verdadera magnificencia de alguien con mil rostros reinterpretando una vez más a un ser recluido por la sociedad.

Cuerpo.

La leyenda de Lon Chaney está reforzada por el carisma, esfuerzo y dedicación de un actor que creyó en el medio y en sus posibilidades para transformarse en uno de los más influyentes intérpretes del terror así como uno de los pioneros en cuanto a maquillaje y a efectos especiales. Bajo el apelativo de “El Hombre de los Mil Rostros”, Chaney tuvo que sobrellevar una niñez con dos padres sordomudos, logrando hacer de esto una muy especial manera de acercarse a sus personajes. Toda una institución dentro de su rango, Chaney se mantendría trabajando hasta sus últimos días cuando en la filmación de Tormenta contraería neumonía que terminaría en cáncer pulmonar. Chaney moriría el 26 de agosto de 1930 a los 47 años.

Wallace Worsley fue un actor y rápidamente director en la era muda. Worsley dirigiría veintinueve películas, de las cuales siete las haría con Lon Chaney. Su carrera estuvo marcada en la etapa muda siendo su última película realizada en 1928. Lon Chaney tendría mucho aprecio por el director con el cual llegó a tener dos películas bastante populares, como son El Hombre sin Piernas (1920) y El Jorobado de Notre Dame (1923). Esta última se convertiría en la película muda más exitosa para los estudios Universal recaudando alrededor de tres millones de dólares. Para Chaney se convertiría una de sus películas más emblemáticas, junto a El Fantasma de la Ópera, traduciendo no solo así su impecable capacidad de dotar de humanidad a sus “monstruos”, sino también demostraría su capacidad como un artista del maquillaje.

El Jorobado de Notre Dame es una mezcla de la grotesca e interesante personalidad de un ser ajeno a todo su entorno. Chaney decía que uno de sus objetivos era dotar de sensibilidad a seres que supuestamente no lo tenían. Y en realidad su capacidad de actor se superpone a muchas contrariedades. Ser un pionero experimental del maquillaje también conllevaría a horas de larga preparación así como el uso de pesado material. Chaney tendría futuras dolencias debido a sus técnicas y tendrían que mantenerse horas sin comer, y a veces beber, para mantener el maquillaje intacto. Estas caracterizaciones únicas llegaban acompañadas de un tratamiento especial, en el caso de El Jorobado, se une la creación de monumentales escenarios para colocarnos en el siglo XV y el tratamiento de los personajes. La novela de Victor Hugo es una fuente a explotar y entendiendo la animosidad del público por las películas de terror, cuyo punto culminante llegaría en los años treinta, era comprensible que Chaney se convertiría en una estrella. La ideología de un “monstruo” con mayor humanidad que la gente que consideramos normal impondría una forma de ver las creaciones de Chaney. En muchos casos, el monstruo no es tal o en su defecto, su monstruosidad no es parte del daño creado sobre él por la humanidad. El Jorobado de Notre Dame se convertiría en un monstruo clásico, llegando a ser parte de la tradición que incluye a El Fantasma de la Ópera, Frankenstein, Drácula, La Momia, El Hombre Lobo (interpretado por el hijo de Chaney), entre tantos otros.

Datos.

Título Original: The Hunchback of Notre Dame
Dirección: Wallace Worsley
Año: 1923
País: Estados Unidos
Intérpretes: Lon Chaney Sr, Patsy Ruth Miller, Norman Kerry, Nigel de Brulier, Brandon Hurst, Kate Lester, Winifred Bryson, Ernest Torrence, Tully Marshall, Harry von Meter
Duración: 100 min.

AHÍ ESTÁ EL DETALLE

Intro.

Después yo que hacia esta película, y viene este individuo, que escribe sobre mi película. ¿Y yo se lo he pedido? ¿Cree que yo se lo he pedido? No, señor juez, pero ni siquiera conozco al individuo en mención. Y para buenas, dice que escribe en su blog. Yo me pregunto, señor juez, ¿hay derecho? ¿Porque no va a escribir sobre sus propias cosas y deja en tranquilidad la propiedad privativa de mi vida privada? Usted me dará la razón, señor juez, porque hablando se entiende la gente y a buena honra, ¿qué cosas hablará en ese blog de mí, señor juez? Debe tener cuidado, señor juez porque también escribirá sobre usted, sobre los abogados y hasta sobre ese perro de Bobby. ¿Es que uno ya no puede vivir en total tranquilidad en este país? Ahí está el detalle, señor juez. No hay derecho.

Cuerpo.

Hablar de genio es hablar de Cantinflas. Uno de los más claros y directos maestros de la comedia desde Chaplin, Mario Moreno se rige como una figura que define su tiempo y que es ejemplo e influencia para futuras generaciones. Tomando a Chaplin como referencia y a su personaje del vagabundo, Cantinflas hace lo impensable y aquello que todo comediante sueña hacer: recrear un método a partir de las tendencias clásicas de la comedia y posteriormente, imprimirle su propia firma, no solo consiguiendo así originalidad y personalidad, sino también siendo un icono cultural de su país. Cantinflas capta en su personaje glorioso la identidad de un México de sus entrañas agregándole el talento necesario para comprender la pobreza y su capacidad de supervivencia, para encarar los problemas sociales en un acto de sátira y de total jolgorio y, para inclusive, dotar de melancolía y tristeza comedias de continuas carcajadas. El mismo Chaplin en algún momento reconocería a Cantinflas como el comediante más grande de su generación. Es menester nuestro admirar, apreciar y aplaudir.

Durante la Edad de Oro del cine mexicano muchos directores de alto corte empezaron a forjar una identidad. Dicha identidad pondría al cine mexicano en primer plano gracias a la dedicación y perfeccionamiento de todos sus componentes. Directores de gran nivel como Emilio Fernández, Roberto Gavaldón, Ismael Rodriguez, Fernando de Fuentes, entre tantos otros, forjaron el cine de su país ayudados también por la internacionalización de algunas de sus figuras importantes así como la mirada de algunos creadores de primer nivel, como Eisenstein y Buñuel. Pero serían las estrellas en la pantalla grande que harán del cine mexicano una importante contribución al cine mundial. María Felix, Pedro Infante, Jorge Negrete, Pedro Armendáriz, Arturo de Córdoba, Columba Dominguez, Dolores del Río, Sara García, Joaquín Pardavé, Libertad Lamarque, Ninón Sevilla, Tin Tan, entre tantísimas otras luminarias forjarían un cine propio y auténtico que se empezó a escribir desde la etapa muda y cuya evolución encontró en el período de mediados de los años treinta hasta finales de los cincuenta su mejor esplendor dejando un legado irrepetible en el cine mundial.

Juan Bustillo Oro fue un director muy prolífico dentro de la Edad de Oro. Incursionando dentro de la edición, el guión, la dirección y la producción, el cineasta mexicano es reconocido por sus melodramas que se inscriben dentro de la tradición y de sus respectivos cambios, dejándonos con el aura nostálgica de un México diferente que como cada espacio debe someterse al tiempo y a la modernidad. A pesar de ello, Bustillo Oro también ha dirigido diferentes géneros como el terror, el misterio y la comedia. Ahí está el Detalle es una incursión dentro de la comedia que no solo lanzaría a Cantinflas a la fama, sino también se convertiría en un nuevo modelo de comedia.

Cantinflas ya había sido reconocido en México gracias a Águila o Sol (1937), y debido a ello perseguiría una carrera en solitario como protagonista principal de sus siguientes producciones. Ahí está el Detalle se convertiría en el medio para la nueva travesía de Cantinflas en donde mostraría en todo su esplendor a su conocido personaje de la gabardina. Autodenominado Cantinflas como nombre artístico, este personaje perduraría dentro de toda la carrera del genial cómico convirtiéndolo en un representante de su tiempo y en un icono. La simple pero llamativa vestimenta del personaje (un claro homenaje a Chaplin) junto con su expresión corporal y un verbo singular hicieron de este personaje el acompañante ideal de Mario Moreno durante muchos años haciendo que el cómico explotará esta imagen al estrellato. Esta comedia de ocurrencias también se ve reforzada por Bustillo Oro quien investigó un caso de la vida real para la escena final de la película quedando en el imaginario popular y en uno de los pilares de la comedia clásica.

Datos.

Título Original: Ahí está el Detalle
Dirección: Juan Bustillo Oro
Año: 1940
País: México
Intérpretes: Cantinflas, Joaquín Pardavé, Sara García, Sofía Álvarez, Dolores Camarillo, Manuel Noriega, Antonio Frausto, Agustín Isunza, Antonio Bravo, Francisco Jambrina, Joaquín Coss
Duración: 112 min.