AL ESTE DEL EDEN

 

Intro.

La sangre de la juventud en tiempos de impotencia. La boca seca de un ser sin palabras. El humo y el viento acompañantes de la duda. Y ese rencor. Ese rencor incomprensible de la época en la cual tus manos son puños y tus palabras son heridas. Calculas cada movimiento. Desatas cada palabra. Pero al final, al final… al final nos encontramos ante la misma historia del dolor, cuando solamente necesitas un abrazo amigo o un beso maternal. Necesitas todo aquello que te puede entregar una vida desconocida. Insistir en caminar con tus pies… hacia una vida desconocida.

Cuerpo.

Al Este del Edén sería una película dramática de gran éxito, gracias a la estrella de su actor James Dean y su director Elia Kazan. Kazan era un director de un ascenso fantástico en Hollywood gracias a su manera de tratar las historias y al manejo del desarrollo de los personajes con sus actores. La tendencia en sus películas está basada en el naturalismo y el realismo. Kazan muestra los conflictos sociales y humanos de una manera real y cruenta, imprimiendo en sus personajes las consecuencias de estos conflictos. Dentro de la gama de actores que colaboraron con él se destacan dos: Marlon Brando y James Dean. Ambos actores serían calificados como artistas de sello propio, creando un estilo totalmente diferente en la manera de personificar a los personajes. Brando se convertiría en estrella gracias a Un Tranvía Llamado Deseo (1951) y Nido de Víboras (1954), ambas dirigidas por Kazan, así mismo sería el primer director de Dean como protagonista con esta película.

 

 

Hablar de James Dean es hablar de una leyenda. Un actor de capacidades insospechadas tuvo todas las condiciones para escribir esta leyenda: gran talento, atractivo físico, rebeldía y final trágico. Con James Dean comenzó una revolución de la juventud con sus más hermosos y extraños deseos. A través de él, la frase Live Fast, Die Young (Vive rápido, muere joven) personificó a una época convirtiéndose en un icono cultural con tan solo tres películas y muerto a los 24 años. Dean tenía un gran talento para la actuación, resaltada prontamente con su primera película Al Este del Edén (1955). Ese mismo años, Dean parecería destruir todos los conceptos de actuación con su increíble performance en Rebelde sin Causa, asegurando su estado de icono de la juventud perdida de esa época. Gigante (1956) sería una actuación aún más brillante, demostrando así su talento único. Lamentablemente, ésta sería su última película y su muerte temprana solamente incrementaría su leyenda, siendo el símbolo de una época, siendo irrepetible, incontrastable, irremplazable.

La línea de personajes de James Dean estaría basada en la juventud incomprendida, en el caos provocado por su ambiente y por su propia incapacidad de entender y comunicar su dolor. Este héroe trágico es delineado en gran medida por su actuación, por sus silencios trabajados y por la gran inmersión dentro de la psique de un ser que parece no comprenderse a sí mismo. En Al Este del Edén, Dean reinterpreta la manera de moldear personajes y busca aún más en aquello que le entrega su director. Parte de este triunfo es la correcta elección de la historia y el gran uso de los recursos por parte de Kazan. Configurando la historia en gran medida gracias al Cinemascope y al color, Kazan logra crear un mundo tan complejo como la gente que lo habita. La película sería un éxito tanto para el público como la crítica, logrando diversos galardones en Estados Unidos y Europa.

Datos.

Título Original: East of Eden
Dirección: Elia Kazan
Año: 1955
País: Estados Unidos
Intérpretes: James Dean, Julie Harris, Raymond Massey, Burl Ives, Richard Davalos, Jo van Fleet
Duración: 115 min.

HUD, EL INDOMABLE

Intro.

Un mundo parece acabar cuando la ideología y los actos de una nueva generación buscan imponerse en el panorama. Pero un viejo mundo se resiste a ser desplazado con tanta facilidad. Aún así, debemos entender que las transiciones deben ser medidas y paulatinas, puesto que la violencia en los actos de posesión puede crear conflictos no posibles de reparar. Cuando estés solo frente a un gran campo sin personas ni almas entenderás la simpleza de lo que es la mente humana y como cada uno simplemente desea ser para después hacer.

Cuerpo.

El western es un género característico de Estados Unidos. El western se inicia en el cine mudo como un género de aventuras en donde los personajes eran conocidos y planos. Usual era entender los roles del héroe que representa a la ley con su estrella en el pecho, el villano con su rostro desbordando maldad, la bella señorita en apuros y así muchos más. Esa era la idea hasta la llegada de John Ford. El director americano convertiría el western en un género artístico comenzando una revolución en el cine. Así, el western brillaría por décadas con ejemplos grandiosos que tocarían picos altísimos a finales de los años treinta y por las siguientes dos décadas. Para los años setenta el furor ya se había apaciguado y empezaría la creación de subgéneros bastante definidos.

El western contemporáneo es parte de los años sesenta. Este subgénero toma la escenografía, los motivos y los temas del western pero desde una óptica más moderna proponiendo la mentalidad del viejo oeste como desfasada, siendo sepultada por las nuevas tendencias. Hud, El Indomable ejemplarmente se suscribe a este tipo de western. Los personajes viven en el Oeste y tienen diferentes mentalidades que muestran esa división en el entendimiento de lo que representa el western. Por un lado, el hombre viejo, dueño de grandes haciendas, es parte del western clásico en donde la familia y sus posesiones significan todo y tiene que luchar contra los embates del mundo moderno. El hijo representa al mundo moderno desde la errónea perspectiva. Él es un hombre joven envuelto en los vicios de la vida y consciente de que este mundo debe cambiar bajo su mando pero no sabe que dirección tomar. Entre estas dos posiciones existe el nieto, que es la confluencia de estas dos mentalidades tratando de averiguar que línea debe seguir.

Hud, El Indomable es dirigida por Martin Ritt, un director cuyos comienzos se encuentran en la televisión y en el teatro. Sus obras con el actor Paul Newman le permitió cosechar sus primeros triunfos en Hollywood y a pesar de una corta carrera, la asociación con dicho actor fue más que productiva, haciendo de estas sus más populares películas. Por su parte, Paul Newman fue el típico actor rebelde de Hollywood que combinó su atractivo con una gran capacidad para la actuación. Newman se convertiría en un rostro de Hollywood haciendo la transición perfecta del joven rebelde al actor maduro y respetado. Durante las diferentes etapas de su vida, Newman cosecharía grandes triunfos en su carrera, siendo un ejemplo en su profesión.

El reparto se completa con las increíbles actuaciones de Melvyn Douglas y Patricia Neal. Ambos ganarían el Oscar como mejores actores de reparto. Douglas era un actor de gran trayectoria que trabajó hasta sus ochenta años, siendo reconocido con el Oscar en su tercera edad. Douglas trabajó con grandes directores y en muchos géneros desde los años treinta. Completa esta película una dinámica Patricia Neal en una de sus mejores actuaciones. Una gran actriz, tristemente popular por su vida personal más que por su trabajo, Neal logró en pocas actuaciones mantenerse en el imaginario popular y a pesar de muchas dificultades dentro de su vida y trabajo, la actriz americana se mantiene activa hasta estos días. Un joven Brandon de Wilde, más recordado por su actuación de niño en Shane, es parte también de los créditos principales logrando una buena performance.

Datos.

Título Original: Hud
Dirección: Martin Ritt
Año: 1963
País: Estados Unidos
Intérpretes: Paul Newman. Melvyn Douglas, Patricia Neal, Brandon de Wilde, John Ashley, Whit Bissell
Duración: 112 min.

CAUTIVOS DEL MAL

Intro.

Cada elemento de una película exitosa es fruto del trabajo esmerado y calculado. Todo este esfuerzo será recompensado con el clamor del público y el respeto de la crítica. Pero dentro de este sistema, de esta organización calculada, hay algo errado. Porque la codicia, la ambición y el poder son parte de una película que está hecha a partir de agendas personales y cada uno tiene una idea propia de lo que desea. Así el objetivo sigue siendo parte de una superproducción, pero el interior es un cuerpo putrefacto que nunca termina de morir.

Cuerpo.

Vincente Minnelli fue un exitoso director de Hollywood cuya carrera se caracterizó por sus películas musicales. Este género le catapultó como uno de los mejores directores del medio en los años cuarenta y cincuenta, cuando los musicales eran bastante aceptados por el público. A pesar que el musical era su sello personalizado, Minnelli no se estancó en un solo género creando dramas, film noir y comedias. Trabajando con los actores más famosos y dentro de toda la meca del cine, Minnelli se hizo de un nombre propio y se convirtió en un director señalado por el cuidado de la estética en sus producciones.

Cautivos del Mal es un drama que intenta penetrar en el mundo del cine. Tanto el manejo en la dirección como las actuaciones son puntos importantes dentro de la película. Kirk Doulgas, nominado al Oscar por este filme, hace un excelente trabajo como el productor que desea conseguir éxito desde sus primeros comienzos. Junto a Douglas aparece la bella Lana Turner, en otra gran actuación interpretando a una diva. En realidad, toda la película es una especie de reinterpretación del negocio de hacer cine y sus puntos más dramáticos. Estas dos figuras eminentes están acompañadas de otros grandes intérpretes de la actuación destacando Walter Pidgeon, Dick Powell, Barry Sullivan, Gilbert Roland y Gloria Grahame, quien ganaría del Oscar a Mejor Actriz Secundaria.

Se dice que la película es una combinación entre la sátira y dramatización de estrellas y ejecutivos de Hollywood. David O. Selznick, Orson Welles, Val Lewton, Jacques Tourneur, Eric von Stroheim y otras figuras fueron tomadas en consideración para configurar a los personajes. La película recibió cinco estatuillas del Oscar, la mayoría por aspectos técnicos y se mantiene así como una de las obras más resaltantes dentro del drama. Debido a la relación de los actores con el film noir se creyó que esta película también pertenecía al género pero no comparte las características establecidas. Aún así tiene algunos atractivos que parecen emular al film noir, pero la técnica de Minnelli por destacar la belleza de las imágenes crea un drama por su propio nombre y con su propia técnica. Cautivos del Mal representaría un momento sublime en la carrera de actores ya consagrados, sumando un éxito más dentro de Hollywood.



Datos.

Título Original: The Bad and the Beautiful
Dirección: Vincente Minnelli
Año: 1952
País: Estados Unidos
Intérpretes: Kirk Douglas, Lana Turner, Dick Powell, Walter Pidgeon, Barry Sullivan, Gloria Grahame, Gilbert Roland, Leo G. Carroll, Vanessa Brown, Paul Stewart, Sammy White, Elaine Stewart, Ivan Triesault
Duración: 118 min.

LA CONCHA Y EL CLÉRIGO

Intro.

Imágenes y un continuo pensamiento. Imágenes y una sola respuesta cuando no existen conceptos predeterminados. Un hombre y una mujer. Es allí cuando todas las complicaciones tienen nombres, rostros y cuerpos. Caminar a través de vidrios rotos y pretender que los obstáculos son construcciones insignificantes. Entre tierras surrealistas, todos los pies parecen hundirse en la arena y las señales hacia un lugar seguro son tan difusas como los increíbles sueños de la mente.

Cuerpo.

Germaine Dulac fue una teórica del cine en los años veinte. Su asociación con el movimiento sufragista para las mujeres y su acercamiento al cine le permitieron experimentar diversas formas de creación como crítica, escritora y posteriormente como cineasta. Dulac se destacó en un primer lugar con el filme impresionista La Sonriente Madame Beudet (1923) y más tarde crearía lo que se considera la primera película surrealista, La Concha y el Clérigo. Estas películas también estarían marcadas por una influencia feminista, algo que había sido parte de la carrera de Dulac como periodista en la revista La Française.

La película de 1928 es en sí la primera película surrealista pero la realización de El Perro Andaluz un año más tarde opacaría la obra de Dulac. El escenario fue creado por Antonin Artaud, un surrealista de gran talla que se desempeñó en diversos campos. En el cine participó en Napoleón de Abel Gance y en La Pasión de Juana de Arco de Dreyer. Artaud quedaría desencantado con el uso del escenario por parte de la directora, rompiendo cualquier vínculo. A pesar de ello, el filme funciona con gran fortaleza, develando una interesante asociación entre la directora y el dramaturgo. Lamentablemente con la llegada del sonido al cine, Dulac perdería vigencia y tomaría otros rumbos de creación.

La Concha y el Clérigo es una construcción surrealista que nos bombardea de imágenes bajo la idea de un cura y sus alucinaciones lascivas al estar obsesionado con la esposa de un comandante. Pero como toda teoría del surrealismo no podemos esperar que todo sea entregado como un esquema lineal. La tendencia es presentar las acciones como parte de un sueño, de fantasías, en donde la actitud de cada personaje es indefinida y las exageraciones en sus gestos y movimientos son parte de una idea llevada a grandes revoluciones. Es difícil no insistir en la teoría del filme cuando nos encontramos a una directora que no previene fórmulas clásicas para puntualizar su ideología, y así, Germaine Dulac no solamente es una gran estudiosa del séptimo arte, sino también es una de las primera mujeres en la dirección de este medio y una vanguardista en lo que se refiere a cine experimental. su falta de apego a cualquier corriente le hace crear obras totalmente diferentes, manteniendo ese instinto creador que sería de inspiración para futuros directores. Tanto La Sonriente Madame Beudet como La Concha y el Clérigo siguen siendo de gran influencia y estudio en nuestros días.

Datos.

Título Original: La Coquille et le Clergyman
Dirección: Germaine Dulac
Año: 1928
País: Francia
Intérpretes: Alex Allin, Genica Athanasiou, Lucien Bataille
Duración: 41 min.

LOS ENGRANAJES DE LA TARDE

 

Intro.

¿Cuándo eres feminista? Cuando entró a una habitación y coloco todos los objetos de manera diagonal. Cuando despierto en la mañana y mis ojos no recuerdan la noche anterior. Cuando salgó de una tina y mi cuerpo aún húmedo señala el techo, como si señalara el lugar que nunca podré alcanzar. Cuando leo un libro e interpreto exactamente lo que debo entender. Cuando coloco una llave en una puerta y esta se abre dos veces. Cuando percibo que en mis palabras se esconden aún más palabras y todo lo que quiero decir se resume en una sola. ¿Cuándo soy feminista? Cuando quiero ser feminista, cuando deseo ser feminista, cuando soy feminista.

 

 

 

 

 

 

Cuerpo.

Una teoría sobre como hacer cine nos presenta Maya Deren. La multifacética directora también se desarrolló como coreógrafa, bailarina, poeta, escritora, fotógrafa y actriz. Deren era una feminista intrínseca muy estudiada y sus apreciaciones sobre el tema en el cine colocarían sus obras como los primeros trazos del feminismo en el cine. Sus comienzos en el estudio y el arte la llevaron de un lugar a otro hasta una llegada a Hollywood en donde el séptimo arte llamó su atención. Rápidamente puso un estudio para cine experimental y sin mucho crédito comenzó su odisea en el cine.

 

 

Deren no estaría de acuerdo con la manera de hacer cine en Hollywood. Su negativa en contra de este tipo de cine fue total y sus propias producciones serían en parte la contracara de lo que ella entendía como un cine sin profundización. Casada con Aleksandr Hackenschmied, cuyo nombre cambiaría por Alexander Hammid, Deren lograría una fórmula para crear sus películas en donde sería directora, editora y protagonista.

 

Los Engranajes de la Tarde, que es más conocido por su nombre original Meshes of the Afternoon, es un hito dentro del cine experimental. La composición del simbolismo dentro de la película nos lleva a diversas lecturas en donde el ser femenino parece estar en búsqueda de algo o esperando el encuentro con alguien. La interpretación puede ser variada pero dentro de las líneas feministas podemos encontrar una asociación de la mujer con ciertos objetos como un cuchillo, un espejo, una llave, un teléfono, entre otros, siendo estos elementos parte de una asociación con una carencia, la carencia del feminismo. Además, la película tiene un uso de cámara que rompe cualquier relación con el espacio y el tiempo, y el caos representado es un grito ahogado de una mujer dentro de un ambiente que no comprende y no controla. Así como el tema de la carencia también hay una idea de poder a partir de un ambiente femenino y una connotación directa sobre la relación de la mujer y su entorno. Deren es una crítica y conocedora del tema, y como muchas otras feministas explora sus teorías a partir del tiempo y del lugar donde crea su obra.
 

Datos.

Título Original: Meshes of the Afternoon
Dirección: Maya Deren/Alexander Hammid
Año: 1943
País: Estados Unidos
Intérpretes: Maya Deren, Alexander Hammid
Duración: 14 min.